Argishty

Родился Argishty в Петербурге в 1983 г. и благодаря неустанным стараниям своей матери уже в пяти лет оказался погруженным в музыкальную культуру. Многие хорошие, внимательные и образованные учителя Argishty помогли ему овладеть языком музыки и научили понимать ее. Он овладел фортепиано и ударными инструментами. Кругозор Argishty постоянно расширялся из-за его важного природного качества - любопытства и желания познать музыку во всех ее аспектах. Поэтому он также много времени посвятил занятиям на гитаре, саксофоне, флейте и даже на балалайке.

В 16 лет Argishty впервые услышал дудук в фильме «Гладиатор» и ему стало сразу понятно, что это его инструмент, что вот тот идеальный «транслятор» его чувств и внутреннего мира для слушателей.

Уже через три года в Государственной Ереванской Консерватории им. Комитаса Argishty познакомился с одним из лучших дудукистов современности – Геворгом Дабагяном, а также с его аспирантом Эммануэлем. Оба стали учителями Argishty и указали ему путь к мастерству исполнительства

Потом началось знакомство с искусством гусанов и ашугов. Argishty посетил самые живописные и примечательные места Армении, чтобы «наполнить свои легкие горным воздухом», и чтобы, как он говорил, «мое сердце вспомнило страдания и мужество Армении».

Argishty навсегда запомнил завет своего учителя Геворга Дабагяна - доносить дудук до тех мест, где о нем мало знают.
.

В Петербурге, Argishty начал собирать для себя коллектив музыкантов. Из круга тех, кто любит армянскую музыку и любит дудук. Скрупулезно рассмотрев все кандидатуры, он создал, подобрал себе в ансамбль близких по духу людей. Тех, кому он мог доверять как в музыкальных вопросах, так и в вопросах духовных.

Официальный сайт музыканта: http://argishty-duduk.ru/

Dark Patrick

Dark Patrick представляет новое и живое искусство, сохраняя при этом неподдельное благоговение перед историей фолк-музыки и традиционными музыкальными инструментами. Уникальная структура музыки - вот наиболее характерная черта творчества Dark Patrick, - подъем и ослабление динамики, что растет с интенсивностью реального ощущения стремлений и эмоций. Повторение служит установлению медитативного транса, но при этом присутствует ощущение сосредоточенности. 

Dark Patrick не только заняли отдельное место внутри определенного музыкального жанра, в котором встречаются элементы этники и эмбиента, но и создали свой собственный стиль, потому что очень сложно сравнить их эмоциональное и уникальное искусство с чьим другим творчеством. Качественное звучание и акустическая база предоставляет легкость восприятия времени, полна спокойствия, или же, наоборот, феерии яркой музыки Dark Patrick. 

Dark Patrick сочетает музыкальные традиции разных народов, исполняя песни на русском, английском и ирландском языках, а также создает собственные композиции с такой динамикой, что зрителю сложно поверить, что на сцене лишь двое исполнителей. 

Участники проекта:

Эва Пурпуровская (Украина) - вокал, колёсная лира, старосветская бандура, синтезатор, бойран.
Пол Чилтон (Англия) - ирландская волынка, вистлы, синтезатор, губная гармоника.

Официальный сайт группы: http://www.darkpatrick.com/

David Kuckhermann

После обучения у таких музыкантов как Глен Велез, Behnam Samani, Рэмеш Шотэм и Астэд Фаяз Хан, Дэвид
создал свой личный стиль, который включает методы и ритмы ударных традиций Ирана, Индии, Египта, Европы, Турции и Африки.
 
Дэвид работал с Омаром Фаруком Текбилеком, Dead Can Dance, Levent Yildirim, средневековым музыкальным ансамблем Cordatum, Ахмад Аль-Хатиб, Taner Akyol, Ансамбль Pera, Riadh Feri, the Sicily Philarmonic Orchestra, Raquy and the Cavemen, Кристиной Брага, Bassam Sabam, Мишрой, Сьюзен и Мартином Веинерт.
Дэвид выступал и проводил мастер-классы в Испании, Нидерландах, Германии, Греции, Италии, Палестине, Тунисе, Бразилии, Чили, Франции, Польше, Эстонии, Ирландии и США.

Член североамериканской Ассоциации Барабанщиков и Tamburi Mundi - организации, которые осуществляют фестивали барабанщиков во всем мире.
 
В перерывах между турне и обучающими мастер-классами, Дэвид работает над своей постоянно растущей серией учебных DVD для барабанщиков.
 
Некоторыми из его учителей являются Ustad Fayaz хан и Тед де Джонг (индийский табла), Глен Велез (создает барабаны), Siavach Yazdanifar, Ramesh Shotham (южно-индийский барабанщик), Нильс Фишер (латинский удар), Мартин Дрюер (бразильский барабанщик) и Wouter Swets (балканские ритмы).
 
Персональный сайт музыканта: http://www.framedrums.net/
 
 

Александр Соломонов

От автора:

Я родился 16 ноября 1950 года в семье, как тогда писали, служащих. А точнее - и мама и папа были драматические актеры. В связи с частыми переездами окончил 10 классов и 7 школ. Несмотря на внутренний протест и, в основном, благодаря матушке (ее страничка в Театре Сатиры www.satira.spb.ru/actors/konopchuk.htm), окончил музыкальную школу по классу фортепиано, о чем сейчас совершенно не жалею.

Авторскую песню впервые услышал от актеров и были это песни А.Галича, тогда запрещенные. Мне было 15 лет. Тогда и начал пробовать петь сам. Папа показал аккорды и подарил гитару. Тогда же зазвучали для меня Окуджава, Высоцкий, позже Визбор и другие представители цеха авторской песни. В школе участие в КВН-ах с песнями, в институте тоже программы и вечера самодеятельности. Студентческий театр эстрадных миниатюр. Фестивали авторской песни, где я сначала зритель, потом участник, потом член жюри. Там же в институте секция альпинизма, где такие "поющие люди" очень ценились.

Гитара и песня стали одной из важных и крупных составляющих моего "я". Без этого я уже себя не представляю. Первые песни появились еще а в институте. Было их очень немного. Многие забылись. Значит так и надо. Всегда считал, что лучше петь хорошие чужие, чем посредственные свои. 20 лет занятий альпинизмом, концертной деятельностью убедили, что этот жанр нужен даже если в наше тяжелое время это не очевидно. Появились свои песни и стихи. Я их пою и читаю на концертах.

Официальный сайт Александра Соломонова: http://www.solomonov.de/

Анна Пингина

Анна Пингина - певица, актриса, автор песен, лидер и основатель музыкального проекта.
В 2010 году 15-летняя история увлечения Анной Пингиной этнической музыкой воплотилась в дебютный диск "Мой".
А вышедший весной 2011 сингл "Без головы", изменил представление об Анне, как о певице и об авторе - мощный рывок от аутентичного народного материала к драйвовым рок-боевикам, вывел число почитателей Анны Пингиной далеко за пределы России. Сегодня ее песни приходятся по душе меломанам Японии, радиостанциям Португалии, и культурологам Калифорнии.
Анна Пингина - артист, который легко вовлекает слушателя в происходящее на сцене. За плечами серьезный опыт - в недавнем прошлом Анна играла главные роли в самых значимых российских постановках: "Notre Dame de Paris", "Иисус Христос - Суперзвезда", "Вестсайдская История", работала в совершенно разных жанрах - от фьюжна до электроники (совместный альбом "XTPD" с Ильей xmz Хмызом "Malerija")
Одна из немногих, кого необходимо слушать живьем - ее выступления затягивают совершенно особенной атмосферой, благодаря артистизму и необычному гипнотическому вокалу.
Сольный проект Анны Пингиной частый гость многих разножанровых музыкальных фестивалей – от «Дикой Мяты» до «Нашествия» и «Усадьбы. Джаз». Анне удалось вывести число поклонников и за границы России - совместно с группой «Минус Трели» на фестивале «Kurarock» в Финляндии, на «Русских неделях», проводимых газетой «Комсомольская правда» в Египте, в трехмесячном концертном туре по Испании, а так же завоевать 1 место в европейском музыкальном конкурсе Driven Creativity Competition 2011.

Анна Пингина - вокал, музыка, тексты
Сергей Вишняков - гитары, loop station, электроника
Александр Захаров - барабаны
Максим Фирсов - бас гитара
Олег Дробинский - волынка, кавал, флуер, кларнет, вистлы

Работы в театре:
Российская постановка мюзикла «Notre Dame de Paris» Роль – Флер де Лис.
Рок опера "Иисус Христос - Суперзвезда" теарт им. Моссовета, Роль – Мария Магдалина
Мюзикл "Вестсайдская История" постановка Адольфа Шапиро, Роль – Мария
Шоу-Театр "Премьера" - солистка.

Персональные сайты и ссылки на творчество Анны Пингиной:

http://www.pingy.ru;
http://www.myspace.com/annapingina;
http://www.facebook.com/annapingina;
http://vkontakte.ru/annapingina

Ансамбль "Метафора"

Кишиневский ансамбль "Метафора" исполняет песни на греческом языке, при том, что в группе нет ни одного этнического грека. В репертуаре "Метафоры" и народные, и авторские песни. Музыканты представляют самобытную программу, основанную на музыкальных традициях Греции. Репертуар коллектива состоит из произведений греческих композиторов Маноса Хадзидакиса и Микиса Теодоракиса (автора известной во всём мире греческой мелодии - сиртаки), а также из народных мелодий, которые построены на сложных ритмических рисунках. Кто знает хоть одну греческую мелодию, кроме сиртаки? Единицы, наверное. А жаль. Греческие мотивы гораздо богаче и разнообразней, они то завораживают, то заставляют плакать, то поднимают танцевать. В них есть что-то знакомое и абсолютно неизведанное. В них величавые развалины Парфенона и лесной ручей, мифы и легенды, вчера и сегодня. Аккомпанемент под каждый инструмент участники придумывают сами. Обязательный элемент всех выступлений - бузуки - национальный греческий инструмент. Гитарист ансамбля быстро его освоил. Как пузатая гитара, только не шесть, а четыре сдвоенные струны.
C момента своего создания, ансамбль выступал на концертных площадках Кишинева, Мариуполя (Украина), Салоники (Греция), Авдира (Греция).

Ссылки на творчество музыкантов:
http://www.showbizness.md/main.php?sb_star=14&sb_videos#content
http://mirtv.ru/content/view/49482/88/

Бард Александр Мирзаян

Александр Завенович Мирзаян родился 20 июля 1945 г. в Баку. В 1969 г. окончил филиал МВТУ им. Э. Баумана, затем работал инженером-физиком в Институте теоретической и экспериментальной физики в Москве.
Первые песни написал в 1969 г. В 1970-х регулярно участвовал в мероприятиях московского КСП — фестивалях, конкурсах и слетах. Неизменно становился лауреатом или дипломантом. В 1970—1980-х активная гражданская позиция Мирзаяна и его приверженность «неофициальной» культуре (бард пропагандировал творчество Д. Хармса, И. Бродского и т. п.) стала причиной его конфликта с властями — его нередко заносили в чёрные списки бардов, не допущенных на сцену на сборных концертах. Был период негласного запрета на его творчество, но он никогда не прекращал свою работу и с 1988 г. занялся исключительно авторской песней, став членом творческого объединения «Первый круг».
Мирзаян пишет песни как на свои стихи, так и на стихи русских поэтов — В. Сосноры, И. Бродского, Д. Хармса, М. Цветаевой, О. Чухонцева и др. Чужие стихи в песнях зачастую предстают в сильно измененном виде. Бард играет на шестиструнной гитаре, используя весьма необычную технику.
На концертах 1970—1980-х, наряду с исполнением песен, читал литературные анекдоты Даниила Хармса.
С конца 1990-х Мирзаян все больше времени уделяет исследованию и историко-философскому осмыслению самого феномена песни. На его выступлениях собственно пение все больше уступает место рассуждениям о песенной культуре. Участник бардовского ансамбля «Песни нашего века».
  «Феномен Мирзаяна в том, что он заставляет публику, привыкшую к китчу и ждущую развлечений, слушать поэзию. Ему удается то, что называется проникновением в стиxи, и его песни дают возможность не только узнать стихи Бродского, Хармса, Сосноры, Цветаевой, Чуxонцева, Оскара Уальда, Чезаре Павезе и других отнюдь не простых для восприятия поэтов, но и по-настоящему понять их, глубоко прочувствовать. Будь то однозначно найденная мелодия, живой голос гитары или неповторимая интонация автора песни - все эти тропинки ведут нас вглубь звука и смысла, возбуждают чувство и мысль. Может быть, именно в этом союзе чувства и мысли, который закреплен музыкой, словом и интонацией, - главна особенность песен Мирзаяна. Равным ему в этом - пожалуй только Сергей Никитин, с которым Мирзаяна роднит гениальное умение достичь того таинственного слияния музыки и слов, при котором музыка уже не только ни соперничает с поэзией, но и не является более лишь подчиненным ей средством популяризации стихотворного слова. Слияние, которое угадывает движени человеческой души и само способно привести душу в движение».

Юрий Книжник

Бард Олег Булгак

Олег Булгак, журналист, теле- и радиоведущий, бард.
Родился 23 июня 1961 года в посёлке городского типа Страшены Молдавской ССР, вскоре родители перебрались в Кишинёв. Любовь к слову и музыке проявилась уже в раннем детстве. В три года научился читать, в пять сочинил первые стихи. Мог часами "дирижировать" папиной расчёской, стоя перед работающим радиоприёмником. Играл в школьном театре, был заводилой в институтской самодеятельности, неоднократно становился лауреатом межвузовских конкурсов и фестивалей. После окончания Кишинёвского политехнического института им. С.Лазо проработал год в проектном институте, а потом внезапно бросил успешную, но скучную инженерную карьеру, и отправился в Новый Уренгой - за романтикой. Нахлебавшись досыта этой самой романтики за три года, вернулся обратно в Кишинёв с запасом жизненного опыта, песен и впечатлений. Следующие четыре года сочинял, пел, выступал (самостоятельно и со своей группой "деревянных" инструментов "Дипломаты", зарабатывал лауреатские звания на разных фестивалях авторской песни. К началу 90-х стало ясно, что отечественное строительство и проектирование только выиграет, если избавится от инженера-музыканта.
В 1991-м О.Булгак перешёл работать в газету "Республика". Начав с должности переводчика, за несколько лет добрался до заместителя главного редактора. Вскоре газета прекратила существование, пришлось осваивать новую профессию - PR-менеджера в американской компании. Через несколько лет у Олега появилась собственные программы: ток-шоу на радио "О'кей!" и публицистическая еженедельная на телевидении "Наблюдатель". Вскоре радио-шоу получило премию фонда Сороса как самая лучшая программа года, а "Наблюдатель" два года оставался в списке самых рейтинговых программ Молдавского ТВ. К этому времени уже полностью был распродан весь тираж песенного альбома с тем же названием: "Наблюдатель". В его записи огромную помощь оказали Юрий Алябов и Стелла Аргату.
В 2000 году Олег Булгак перебрался в Москву, и почти сразу начал работать в "Русской службе новостей". В 2002 перешёл на "Маяк". За программу "Истина в кине" вместе с Сергеем Данилевичем стал лауреатом премии "Радиомания" и обладателем "Золотого Микрофона". Параллельно сотрудничал с телеканалом НТВ в качестве редактора инормационной службы.
Четыре года спустя, Олега пригласили на радио "Шансон", где он вёл еженедельную программу "Живая струна" - с лучшими музыкантами страны в качестве гостей. Помимо этого на спутниковом телеканале "Шансон-Т" Булгак был автором и ведущим программ "Живая струна", "Короткий разговор", "Афиша" и других.
В настоящее время работает на радиостанции "Бизнес ФМ", где, помимо ежедневного ведения эфира, выпускает рубрику "Книги с Олегом Булгаком". А также сотрудничает со студией "Апельсин", где является автором и ведущим программы "Мировая кухня".

Барды Оксана и Сергей Бильченко

 
Первое совместное выступление произошло в 1991 году. Номинанты зимнего Кишиневского фестиваля авторской песни 2001 года, летнего фестиваля Пятихатка 2002. Участвовали в фестивале "Питаккорд 2002". Участники зимнего фестиваля в Ялте имени Артура Григоряна 2003: премия за лучшую авторскую песню и премия за лучший дуэт. Постоянные участники фестиваля авторской песни "Апрель" г. Бельцы.

Принимали участие в деятельности клуба авторской песни "Мистраль". С 2003 года активно работали над организацией и проведением концертов в музыкально-поэтическом клубе "Проходной двор".
В декабре 2003 года выпустили первый авторский диск "На неведомой дорожке".
Оксана Бильченко
Родилась 6 декабря 1975 года, в городе Кагуле. С детства играла в театре юного зрителя "На улице Роз" в Кишиневе. Училась в музыкальной студии по классу гитары. 10-11 класс училась в лицее на эстрадной кафедре. После окончания лицея поступила в Институт Искусств на специальность вокал и проучилась 3 курса. Позже, окончила Международный Институт Менеджмента по специальности Маркетинг.
Сергей Бильченко
Родился 30 июня 1975 года, в станице Павловская Краснодарского края. 7 лет музыкальной школы, потом 2 года лицея, эстрадная кафедра, где и познакомился с Оксаной. На данный момент работает звукорежиссером и аранжировщиком.
Сайт музыкантов: bilchenko.narod.ru/
 

Группа "Вдох"

Довольно быстро были сочинены первые 8 песен, и звучание группы очень удивило бы нынешних слушателей - фортепиано не было вовсе, а стилистика напоминала смесь Sepultura и Guano Apes. Формирование нынешнего звучания началось с трека "Вечность". Следующим этапом стало принятие решение о записи альбома. Для внесения разнообразия в звучание было добавлено фортепиано.

Рождением группы можно считать апрель 2009 года.

Первый, до конца оформившийся состав был таковым:

Ксения (вокал)
Виктор (барабаны)
Стас (гитара)
Владимир (бас)

Довольно быстро были сочинены первые 8 песен, и звучание группы очень удивило бы нынешних слушателей - фортепиано не было вовсе, а стилистика напоминала смесь Sepultura и Guano Apes. Формирование нынешнего звучания началось с трека "Вечность". Следующим этапом стало принятие решение о записи альбома. Для внесения разнообразия в звучание было добавлено фортепиано.
По некоторым причинам Стас и Владимир "поменялись" инструментами.

В то время (впрочем как и сейчас) репетиции проходили каждый день, что по ряду причин было невозможным для Владимира, и именно это стечение обстоятельств позволило нам услышать то звучание, которое Вы слышите сейчас. И вследствие этого было принято нелегкое решение о выходе Владимира из проекта.

В течении августа 2009 года мы записали первые 8 песен, альбомом это было назвать нельзя - скорее "проба пера".
Уже к концу сентября была запущена страница на My Space, которая вскоре принесла нам множество положительных откликов. Число друзей быстро росло, и на сегодняшний день на My Space составляет более чем 10000.

Так как наше звучание до конца нас не удовлетворяло, мы вынуждены были продолжать поиск, результатом которого стал записанный в феврале 2010 года дебютный альбом "Восхождение". Также в феврале мы открыли страницу вКонтакте. В марте мы проводим несколько открытых репетиций и понимаем, что готовы к выходу на сцену.

1-го мая 2010 года состоялось дебютное выступление на фестивале "Надежда". На данный момент мы располагаем концертной программой на 16 песен, общей продолжительностью в 1.5 часа.

Джазовая группа "Diegomarket"

«Авторский, джаззи-фанки-боссановисто-лаунжевый, русскоязычный проект. Работая над альбомом, мы ставили задачу записать красивые песни, но сначала, естественно, сочинить, сыграть и спеть их. А поскольку красоту каждый видит по своему (кому-то и септаккорд ухо режет), то вам решать - что у нас получилось. Здесь нет практически экспромта (за исключением соло), записали, что хотели, т.е. не стыдно ни за одну ноту. Нашим творчеством, в числе прочего, мы хотим поспорить с расхожим мнением, что русские стихи якобы не ложатся на сложные гармонически-мелодические ходы. Надеемся, что ВЫ УСЛЫШИТЕ то, что мы вложили в наши песни…»
 

                                                                                                                   Игорь Гаврилов

Джазовый коллектив "Колчин-Квартет"

Влад Колчин - известный в Петербурге джазовый саксофонист.
Родился в Башкирии в семье военного.
Во время службы в армии, играл в Президентском оркестре республики Башкортостан, позже в симфо-джазовом составе Башкирской филармонии, сотрудничал с рок-группами, принимал активное участие в открытии эйсид-джазового клуба, работал с Земфирой Рамазановой (Zемфира).
В 1998г. переехал в г. Санкт-Петербург, где окончил Эстрадное отделение Санкт-Петербургского Государственного Университета культуры и искусств.

С 2001года по 2005 работал в биг-бенде Геннадия Гольштейна «Саксофоны Санкт-Петербурга». Так же в этот период, вместе с известным джазовым гитаристом Джерри Кимом при поддержке немецкого лейбла «Mazur Media» были записаны два джазовых альбома: «RUSSIAN JAZZ STANDARD» и «38-я параллель» (см.книгу В.Фейертаг "Джаз в Петербурге. Who is who".)
В данное время занимается проектом «Колчин-квартет» и исполнением джаза.

Из официального пресс-релиза музыканта:

"Мне стало тесно в джазовых рамках. Одно дело, когда ты играешь чужую вещь, пусть даже с импровизацией, и совсем другое, когда создаёшь свою песню, с русским текстом, своё звучание, свою эстетику в музыке" - говорит Влад.
"Записан первый альбом проекта. Кто-то назовёт диск - питерской лирикой. Но, в сущности, это песни о любви. О том, что мы не больше, чем мы есть. Мы - люди, и нам просто хочется любви".
Диск записывался на студиях "ДДТ" и "Мелодия" пианистом Андреем Зимовцом, басистом Филиппом Мещеряковым, барабанщиком Петро Михеевым, составившими "Колчин-квартет", многими другими музыкантами и струнным квартетом.
"В записи участвовало много людей, все они делали это бескорыстно! Почему? Не знаю, - удивляется Влад, - то ли потому, что им нравилось то, что они делали, то ли из-за хорошего ко мне отношения?! В любом случае, я им всем очень благодарен!"
"Удивительно устроены люди. С одной стороны, они не любят, когда им лезут в душу, с другой, только об этом и мечтают. И вот появляется человек, который распахивает душу, обнажает раны, облекая их в поэтические образы, пропитывая музыкой, мастерски исполняя. И душа тронута".

"А знаешь, тысячи людей мечтают видеть наши не остекленевшие глаза" - поётся в одной из песен Влада.
И это, действительно, так. Потому люди и откликаются".

Сайт музыканта: http://www.vladkolchin.ru

Джазовый музыкант Игорь Гаврилов

Профессиональный танцор, занялся музыкой в 19 лет.
Принимал участие в музыкальных проектах:
X-Ray (позднее X'd out), Plast'X, Догма и Лис.

Совершал электронные изыски в духе Aphex Twin в проекте под названием LevitanЫ (совместно с М.Кадыровым).

«…. и в 2004 году я начал собирать живой коллектив и играть накопившиеся на тот момент песни, так что в этом альбоме "DIEGOMARKET" песням от 3 до 15 лет. Альбом записывался больше года на студиях Gigant Records (Москва) и Мелодия (СПб). Без оглядки на потенциальную аудиторию, хотя она очевидно есть. Лучше писать для себя и потерять аудиторию, чем писать для аудитории и потерять себя. Наш слушатель от нас не уйдет, надо только чтоб он о нас узнал, и мы будем с ним счастливы….»

Игорь Гаврилов

Дуэт Дэвида Какэрманна и Владисвара Надишаны

Уникальный по стилистике дуэт недавно создан музыкантами, каждый из которых уже хорошо известен мировой аудитории, интересующейся этно-музыкой.

Композитор-мультиинструменталист Владисвар Надишана
Германия, г. Берлин

Мультиинструменталист-виртуоз, композитор, продюсер и дизайнер экспериментальных музыкальных инструментов, новатор в области современной этнической музыки.

В его арсенале более 100 этнических и традиционных музыкальных инструментов со всего мира, в числе которых: мандола, ситар, бузуки, тамбура, безладовый бас, акустическая гитара, чанзы, хомус, гусли, дарабука, джембе, калянгу, уду, рамочные барабаны, бансури, кена, калюка, жалейка, гайда, хулуси, баву, дудук, беримбао, морсинг, дан мои, коу ксианг, тсаай нплайм.

А также, инструменты, сконструированные им самим: пружингам, пластримбафон, раблоррум, ловцы духов, пружинно-стержневой гамелан, банбанг и др.



David Kuckhermann
Германия, г. Берлин

После обучения у таких музыкантов как Глен Велез, Behnam Samani, Рэмеш Шотэм и Астэд Фаяз Хан, Дэвид создал свой личный стиль, который включает методы и ритмы ударных традиций Ирана, Индии, Египта, Европы, Турции и Африки. Дэвид работал с Омаром Фаруком Текбилеком, Dead Can Dance, Levent Yildirim, средневековым музыкальным ансамблем Cordatum, Ахмад Аль-Хатиб, Taner Akyol, Ансамбль Pera, Riadh Feri, the Sicily Philarmonic Orchestra, Raquy and the Cavemen, Кристиной Брага, Bassam Sabam, Мишрой, Сьюзен и Мартином Веинерт.
Дэвид выступал и проводил мастер-классы в Испании, Нидерландах, Германии, Греции, Италии, Палестине, Тунисе, Бразилии, Чили, Франции, Польше, Эстонии, Ирландии и США. Член североамериканской Ассоциации Барабанщиков и Tamburi Mundi - организации, которые осуществляют фестивали барабанщиков во всем мире.
 

Проект посвящен исследованию возможностей ханга (и подобных ему инструментов) в сочетании с такими этническими духовыми как кавал, бансури, хулуси, дуклар.

Ссылка на творчество дуэта: http://www.projects.nadishana.com/index.php?option=com_content&view=arti...

Комический дуэт "Привет"

Комический дуэт "Привет" создан под руководством заслуженного артиста цирка, педагогом Смыковым Анатолием Васильевичем и режиссером Николаем Берёза.
Дуэт "Привет"  - это юмор без пошлости, это юмор романтиков, рядом с серьезным всегда находится смешное. Мы призёры международного фестиваля юмора и эстрады, участники различных телевизионных передач и проектов таких как: АНШЛАГ, КРИВОЕ ЗЕРКАЛО, СМЕХОПАНОРАМА, ЦИРК СО ЗВЁЗДАМИ и т.д

Композитор Александр Марчаковский

Родился 17 февраля 1961 года в г. Болотное Новосибирской области. Музыкой начал заниматься с 9 лет в Средней специальной музыкальной школе при Новосибирской государственной консерватории им. М. И. Глинки. После окончания школы учился в институте им. Гнесиных (ныне: Российская Академия Музыки им. Гнесиных) в классе выдающегося педагога П. И. Нечепоренко. В 1986 г. стал лауреатом I премии III Всероссийского конкурса исполнителей на народных инструментах. Выступал с сольными концертами в России и в бывших республиках бывшего СССР как солист "Росконцерта". В составе ансамблей солистов "Московский фестиваль" и "Московские балалайки" гастролировал во многих странах мира. Его выступления с успехом проходили во многих знаменитых залах, таких как: Карнеги Холл в Нью-Йорке, Концертгебау в Амстердаме, Концертный зал Фонда Гульбекяна в Лиссабоне и др.

А. Марчаковский - автор целого ряда пьес для балалайки, среди которых два Концерта для балалайки с оркестром и произведения для балалайки с фортепиано.

С 1986 года в течение четырнадцати лет вел радиопередачи о народной музыке на трех радиостанцииях России: Радио-1, Радио России и Радио "Маяк". В 1995 году параллельно начал работать на телевидении. Он был музыкальным редактором программы "Угадай мелодию", документальных фильмов и художественных сериалов.

В это же время в содружестве с композитором Юрием Алябовым создается проект, в котором А. Марчаковский выступает в сопровождении электронного оркестра. Выступления с огромным успехом проходят в клубах и концертных залах Москвы, Санкт-Петербурга, Кишинева, а также в горячих точках перед нашими солдатами в Чечне и Таджикистане. Сегодня Александр Марчаковский играет в ансамбле солистов "Филармония" при Государственном академическом русском концертном оркестре "Боян".

Композитор Юрий Алябов

 
Юрий Алябов - российский композитор. Родился 15 января 1958 года в г. Кишиневе, Молдова. Образование – высшее. Кандидат биол. наук, выпускник теоретико-композиторского отделения Кишиневского муз.училища им. Ш. Няги.

Профессионально занимается музыкой с 1982 года. В те годы сотрудничал со многими эстрадными, хоровыми народными и симфоническими коллективами.
С 1993 по 1996 годы - композитор и аранжировщик студии звукозаписи "Молдова-диск" (Кишинев). Сотрудничал как композитор с фирмами PBN (США) и MENDOZ ENGLAND (Англия).
С 1997 года живет и работает в Москве.
С 1998 года - композитор и муз. редактор телекомпании "ПИЛОТ-ТВ".
В 1999-2000 году был музыкальным руководителем продюсерского центра А. МОРОЗОВА. Сотрудничал со многими российскими исполнителями (Н. Расторгуев, Р. Ибрагимов,
А. Булдаков, Н. Басков, С. Захаров, Э. Хиль, Л. Серебренников и многими другими).
Активно работает в кино, на радио, на телевидении и в театре. Является автором огромного количества популярных рекламных роликов, радио и теле джинглов (Dan Cake,
Campina, Philip Morris, Stinol, Bavaria, казино Корона, Империя, Голицын, автомобили Газель и Соболь и множество других).
Алябовым записано более 30 альбомов и компакт-дисков в самых разных жанрах камерной, эстрадной, джазовой, этнической и инструментальной музыки в России, Молдове, Италии, Германии, США, Швейцарии, Израиле и др.

В последние несколько лет Алябов обратился к академическим жанрам – им написаны кантата «Песнь о русском слове» на стихи русских поэтов для оркестра, хора, солистов-вокалистов, солиста-пианиста и чтецов, вокально-симфоническая поэма «Путь Христа» на стихи Юрия Кузнецова, первая в истории современной Росии оперетта - «Любовь моя, Роз-Мари (совместно с Р. Фримлем и Г. Стодгардтом), большой литературно-музыкальный цикл «Постриги» на стихи А. Шацкова.
Владеет всеми приемами композиторской техники. Отличается яркой индивидуальностью мелодического и оркестрового письма. Умело и гармонично сочетает традиционное симфоническое звучание с электронными инструментами и ритмами, а также с этническими музыкальными красками различных регионов земного шара.

Награды:
Приз "Лучшая песня года" - хит-парад Национального радио Молдовы в 1994, 1995 гг.
Радио Румынии - 1995 год за песню "Tu Esti Unicul Mal"
Приз фестиваля Виват кино России (1994) за фильм "Наваждение"
Приз международного фестиваля в Ташкенте за фильм "Танго над пропастью" (1997)
Приз Стопудовый хит 2000 - за лучшую аудиорекламу
Премия ТЭФИ 2001 - за программу "Тушите свет"
Премия ТЭФИ 2002 - за программу "Тушите свет"
Гран-при международного фестиваля театральных постановок в г. Трабзон за
спектакль Маскарад (2002)
Гран-при международного фестиваля в г. Брест за спектакль Маскарад (2002)
Премия фонда Славяне (Болгария) - за создание симфонической поэмы-кантаты "Песнь
о Русском Слове" - (2003)
Премия Международного Телекинофорума "Вместе" (Ялта) - за создание симфонической поэмы-кантаты "Песнь о Русском Слове" - (2003)
Премия ТЭФИ 2004 за программу "Красная стрела"
Национальная премия Молдовы за лучшую театральную музыку сезона 2005-2006
Гран-При 2007 за музыку к фильму «Реконструкция площади Белорусского вокзала» - Канны
 

Композитор и музыкант-мультиинструменталист Эдуард Сухарь (Alizbar)

Alizbar – основатель и идейный вдохновитель группы "Ann’Sannat". Стиль группы можно определить как фолк-музыка. Группа играет ирландскую, балканскую, молдавскую народную музыку в собственных оригинальных аранжировках, а также авторские композиции.
В 2007 году был издан первый сольный альбом, посвященный арфе и волшебным сказкам – "Metamorphoses of Ann'". В 2008 году его выпустил французский лейбл сказочной музыки "Прикосновение". Также "Прикосновением" выпущен сборник "Fairy World 4", на который вошла композиция "Metamorphoses of Ann'" с одноименного альбома.
 

С детства увлекался сказками и сказочными фильмами, много читал и фантазировал на темы волшебных сказок. Больше всего любил кельтские сказки и сказки балканских народов. Профессионально музыкой начал заниматься поздно: в 20 лет поступил в музыкальный колледж по классу виолончель. Параллельно осваивал гитару, мандолину, флейту и всевозможные дудочки. 2002 году Alizbar увлекся кельтской арфой. Он влюбился в этот инструмент: только арфа могла воплотить его мечту – играть действительно сказочную, эльфийскую музыку. Композиции не писались, они "приходили" к Alizbar’у, их нужно было только записать.

Если бы я верил в предыдущую жизнь, то, наверняка, был бы арфой.
Я предлагал ей руку и сердце. Она вроде согласилась.
Я влюблён в это чудо.
Это какое-то странное существо, и, кажется, оно не имеет рода.
Его всегда хочется видеть - и осязать, и слушать, и слышать
Его (чуда) звуки пахнут, причём каждый на свой лад.
В трёх-четырёх звуках можно отобразить и запах лужайки, и пар, поднимающийся над весенним озером, и запах утра - и даже всех утр мира.
Солнце село, мрак сгустился, день сегодня так короток; можно зажечь свечу и блики вперемешку с тенями заиграют на этом странно изогнутом корпусе.
А если посмотреть сквозь струны на свечку, можно увидеть забавное явление.
Да, знаете, если в темноте взглянуть, через струны на свечку или на экран включённого телевизора и дёрнуть струну, то, завибрировав, она начнёт настоящий танец, состоящий, из геометрических фигур. Но нужно сфокусировать зрение на струне, и тогда одна ромбиком колеблется, другая спиралью извивается, третья кружками ходит. Красиво. Но как-то гадко. Телевизор и Арфа - понятия несовместимые. Телевизор я вынес и подарил маме. И почему-то хочется сказать, что на нем бьют ящики, хотя она всего лишь смотрит сериалы.
Мне вспомнился детский момент, когда я хотел стать художником и меня преследовали две картинки, объединённые в цикл.
Представьте. Первая: Полянка с красивыми цветами, с порхающими бабочками, в окружении деревьев, в сочных красках, кусочек лазурного неба, дух первозданности и покоя. И вторая: та же полянка, но уже с примятыми цветами, понятно - без бабочек, с обломанными ветвями... закрывая кусочек голубого неба, посередине стоит... вертолёт. Новенький такой, в масле и на фоне эдакой красоты. Если сочно отобразить, думаю, неплохо бы смотрелось...
У меня удивительная арфа, с безумно красивым звуком - но, странное дело, каждый звук напоминает о боли, - то ли моей, то ли всеобщей. В каждом - очень древняя история, а в бесчисленных сочетаниях звуков - длинные саги. Играешь, что-то и будто сказки сказываешь. Звуки уходят навсегда, тая, как снежинки в теплом воздухе, как бы говоря "прощай", но долго ещё эхо несёт отзвук этого прощания.
Странная арфа. В какой-то степени арфа - моя жена. Может, я сошёл с ума? Ещё ни к какому инструменту я так мистерично не относился и не испытывал подобных влечений. Когда-то, что-то похожее было с виолончелью, но - нет, не то, не так.
Это как если Бог говорит, что прощает и любит, а ты стоишь и от стыда за свои жизненные опусы готов провалиться сквозь землю. Наверное, как написать икону, или понюхать шейку новорождённого. Не знаю, трудно.
О Боже, как сладко, но без притори звучит этот аккорд.
И странное дело, мне трудно играть, чьи-то чужие произведения. Такое впечатление, что арфа перебирает еду, как капризный ребёнок, предпочитая питаться только моими эманациями, а если и ест, то не иначе, как ложку за маму, за папу, за бабушку, за дедушку, - и хитрить надо. Когда я был мал и плохо ел, моя сестра нашла гениальный метод, как всё-таки заставить меня съесть: она отворачивалась и делала вид, что считает птиц или звезды, а я воровал с вилки. Вот потеха была. Мне приносила эта игра громадное удовольствие, я смеялся и ел, ел...
Но когда играешь свои импровизации, то происходит схлещение меня и арфы, возникает симбиоз "человеко-арфа" и становится она продолжением рук, мыслей. Мы срастаемся, как в акте (понятно, думаю, каком) - в то же время этот процесс как-то непонятен и как будто развратен. В общем, пробую я мою муза-лиру на вкус, и понять не могу.

Эдуард Сухарь(Alizbar)
 

Композитор-мультиинструменталист Владисвар Надишана

О дзуддахорде и гибридных инструментах

• Композитор-мультиинструменталист Владисвар Надишана

О дзуддахорде и гибридных инструментах

интервью с музыкантом

 

Несколько вопросов по инструменту (дзуддахорд):

 

 

 

1. Почему он так называется? Что обозначает его название?

 

Иногда слово просто приходит само, я его не придумывал – оно просто появилось и честно говоря я не знаю, что оно значит. Но оно очень хорошо подходит к инструменту, а это для меня главное. 

 

2. Как к тебе пришла идея его создать?  

 

Идея пришла в результате многих лет игры на разных инструментах и потребности иметь инструмент, на котором удобней играть собственную музыку,   и который соединял бы в себе возможности нескольких инструментов плюс имел бы уникальное звучание. 

 

3. Почему ты совместил именно ситар, гитару и добавил бурдонную струну? Какие преимущества это дает?

 

Я совместил гитару, ситар, мандолу и гусли в одном инструменте потому что у меня есть каждый из этих инструментов поотдельности, а так же опыт игры на них, что естественно наводит на мысль о том чтобы совместить их возможности и получить еще что-то, что невозможно ни на одном из этих инструментов поотдельности. Дзуддахорд имеет 3 игровых   зоны: «гитара-ситар», «мандола» и «гусли-тараф»(11 струн, одновременно выполняющих функцию резонирующих струн ситара и игровых струн как на гуслях или арфе.). Я могу быстро менять игровые зоны, достигая контрастного звучания или использовать 2 зоны одновременно, что дает новые выразительные возможности. 

 

5. Отличается ли техника игры на нем от гитарной техники и техники для ситара? Если да, то чем? Сложнее ли это?

 

Техника игры конечно отличается. От гитары тем, что я использую ситарный плектр «мизраб» в комбинации с мизинцем, безымянным и средним пальцами. Это техника – также гибридная: смесь ситарной и гитарной техник. В то время как на гитаре используется либо медиатор либо пальцевая техника. Ну а что касается ситара, то на нем вобще не предполагается игра аккордов, полифония.   Я не могу сказать что техника игры на каком то из этих трех инструментов сложнее, каждый из них сложен сам по себе. Отличие только в том что и для ситара и для гитары существуют традиции и школы игры, а для новых гибридных инструментов ничего такого нет, т е традицию и школу игры нужно создавать самому. В этом смысле, да - это сложнее, но и намного интереснее. Это дает очень большое поле для творчества и экспериментов.

 

 

 

6. Ты сейчас единственный исполнитель на дзуддахорде или есть и другие?

 

Единственный.

 

7. Какое будущее ты видишь у этого инструмента? Собираешься ли создавать его школу?

 

Школу - вряд ли. Дзуддахорд – это очень персональный инструмент, сделанный с учетом лично моих специальных предпочтений и опыта мультиинструменталиста. Однако я надеюсь, что это вдохновит других музыкантов на экспериментирование и творчество в разработке новых инструментов и новых техник игры на них. Одну из своих задач, кстати, я вижу в таком влиянии на других людей.  

 

8. Сам ли делал свой инструмент? Как выглядели первые протообразцы? Почему ты от них отказался?

 

Инструмент сделал по моему проекту мой друг Эдвард Пауэлл из Канады. У него уже был опыт создания гибрида индийского сарода и арабского   уда с двумя грифами. Протообразцом была советская полуакустическая гитара из которой я вытащил подставку и заменил ее ситарным мостом. На ней я и разработал комбинированную технику «мизраб-пальцы», без которой этот инструмент просто не будет звучать, как нужно. Ну а отказался, потому что это была демо- версия.

 

9. Попытки создавать двухгрифовые гибриды гитар с другими инструментами уже нельзя назвать прецедентом: что это мода или естественный ход эволюции? что толкает музыкантов на это?

 

Я не знаю есть ли такая мода. Могу сказать что толкает именно меня на создание гибридных инструментов, не только струнных, но и духовых, ударных, язычковых. Когда количество инструментов на которых ты играешь подходит к 150, начинаешь задумываться о том как интегрировать опыт игры на них для создания чего-то нового на его основе. К примеру есть русская флейта калюка и словацкая фуяра. Каждый из этих инструментов имеет свои ограничения. Мы создали гибридный инструмент на основе этих двух, который позволяет пойти за пределы этих ограничений и дает совершенно новые возможности, сохраняя при этом старые. То есть причина номер один – творчество и инновация как вещи ценные для меня сами по себе. Есть еще одна очень веская причина: экономия места при путешествиях и на сцене. Например приехать к вам в Россию и привезти 2 больших струнных инструмента было бы невозможным – не пустят в самолет. Ну а так как у меня есть дзуддахорд, то привезя его, я привез целых три! Фуяру вобще нереально возить с собой в тур, это очень громоздкая, тяжелая и хрупкая флейта, а футуяру привезти не составляет никаких проблем – это высокопрочный пластик, разборная конструкция и вес – 500 грамм (!). Итак причина номер 2 – мобильность. Для мультиинструменталиста очень критичный фактор.

 

10. Какие еще инструменты есть твоего собственного изобретения? Чего ты хотел добиться, создавая их?

 

Таких инструментов много, но особый интерес для меня представляют именно гибридные инструменты. Про футуяру я уже говорил, мы ее разработали совместно с Максом Брумбергом, мастером из Германии. Это гибрид русской калюки и словацкой фуяры.   Один из последних проектов – гибридный кавал. Он объединяет в себе возможности 4 инструментов. Это экспериментальный инструмент, разработанный нами совместно с моим другом Давидом Фаульвассером. Гибридный кавал это разновидность безсвистковой продольной флейты. Идея инструмента - сделать возможной игру в различных игровых позициях, применяемых в исполнении на подобных флейтах разных этнических традиций : на турецком кавале (в правом углу губ), на персидском нее (между верхними передними зубами), на хакасском хобрахе (между 2-м и 3-м верхними зубами, и на шакухачи (в центральной части нижней губы с опорой на подбородок).

Инструмент имеет 2 сменные игровые трубки: с 8-дырочной системой турецкого кавала и 9-ти дырочной системой армянского блюла.

Звукоряд- хроматический , диапазон - 3 октавы. Еще один из последних экспериментов – водяной уду. Фактически это обычный пластиковый уду (этнический барабан), но если в него налить воды то начинается совершенно другая история. Техника игры тоже гибридная – я использую его как «ударно – духовой». Все эти инструменты я привез с собой в Россию в этот раз, так что у вас есть шанс услышать их   вживую.   Надо отметить, что создавая новый инструмент я хочу создать новую технологию игры на нем. Нововведения в конструкции должны сопровождаться кардинальными нововведениями в технике игры, только тогда экспериментальный инструмент имеет смысл – это мое мнение.

 

11. Сколько инструментов в твоей коллекции сейчас? Сколькими ты активно пользуешься и почему выбор пал на них?

 

Когда число инструментов в моей коллекции превысило 200, я перестал их считать. Активно пользуюсь примерно 20 - ю, а какими именно – это зависит от текущего проекта. Сейчас например мы создали дуэт с мультиинструменталистом из Бельгии Рафаэлем Де Кок и основные инструменты для этого проекта   это гибридный кавал и дзуддахорд. Вообще последнее время я использую именно свои гибридные инструменты, т к они комбинируют несколько инструментов в одном, и позволяют играть практически в любой тональности не меняя инструмент, что очень важно в туре, например.

 

Ссылка: http://shadelynx.com/content/view/2438/2/

 

 

 

 

---

 

Nadishana Trio (Nadishana - Metz - Shehan)

 

 

---

 

 

 

---

 

 

 

Музыкант Андрей Занога

Музыкант, поэт, основатель рок-группы «Ракетобиль», в настоящее время лидер группы «Заводная Птица».
Место рождения — Кишинёв.

Сайт музыканта
http://www.raketobil.ru

Музыкант-импровизатор и композитор Филипп Барский

Филипп Барский (http://philipp-barsky.livejournal.com) – психолог (преподаватель МГУ имени М.В.Ломоносова, научный сотрудник Психологического института РАО) и, одновременно, музыкант-импровизатор и композитор-электронщик, специализирующийся на создании музыкальной атмосферы. Любимыми инструментами Филиппа являются кельтская арфа, цимбалы (сантур, дульцимер), клавишные, перкуссия (дарбука и шейкеры), флейты-пимак и, конечно, синтезатор. Сейчас он определяет основную цель своей музыкальной деятельности следующим образом: «моя задача – передать гармоничное состояние средствами музыки от исполнителя к слушателю, минуя личности обоих».
     В возрасте семи лет отец познакомил Филиппа с творчеством Jean-Michel Jarre, Klaus Schulze и “Tangerine Dream”. Свой первый синтезатор Филипп освоил в 12 лет, а с 14-и начал писать музыку в программах-трекерах (http://en.wikipedia.org/wiki/Tracker_%28music_software%29) на популярном в те годы домашнем компьютере Commodore Amiga (http://www.amiga.org/).

    Примерно в то же время он открывает для себя мир компьютерного андеграунда (http://www.demoscene.ru), где быстро приобретает известность благодаря мелодичным электронным композициям в стиле new age (“Early Fall”, “Ozone”, “Saga”, “Dance of the Crane” и др.). Его ранние работы (1995-1998 гг.) занимают призовые места на отечественных и зарубежных конкурсах компьютерной музыки и становятся популярными за пределами компьютерного андеграунда (публикации в журналах «Компьютерра» и «Хакер», серия интервью на радио «Ракурс»: http://scene.rpod.ru/79839.html).
    В тот же период Филипп начинает всерьез интересоваться этнической/народной (преимущественно, кельтской) музыкой – в ней его особенно привлекает звучание цимбал (струнный молоточковый инструмент, известный у различных народов) и кельтской арфы, которая остается мечтой еще в течение 10 лет (свою первую арфу он приобретает в 2005-м году). 

    С начала 2000-х Филипп в домашней студии создает музыку для компьютерных игр и видеороликов (http://thesands.ru/): среди озвученных им, в том числе, получившая признание на международном рынке игра «Магия крови» (http://dom.deepsilver.com/). Знакомство с арфистом Элизбаром (http://alizbar-harp.com/) и совместные импровизации вдохновляют Филиппа на первые живые выступления в чайных клубах Москвы. 
     В настоящее время Филипп – участник нескольких музыкальных проектов. Группа «Отражения» (http://reflections.rpod.ru/), созданная гитаристом Романом Ефимовым совместно с Андреем Tanzu (перкуссия, уду, фрэм-драм), исполняет  импровизационную музыку с использованием этнических и традиционных музыкальных инструментов. Музыкальный проект «Presence» (http://www.myspace.com/ompresence) – совместное творчество Филиппа с Сати (вокал, клавишные), Андреем из «Отражений» и Сашей Ni Mu (флейта бансури). «Presence» также играют импровизационную музыку, на которую гармонично накладываются древние буддийские и индуистские мантры.

    Кроме постоянных проектов, Филипп продолжает активно сотрудничать с целым рядом интересных музыкантов, среди которых Сергей Емельянов («Саригама» - бамбуковые флейты), Юрий Рубин («Альгамбра» - хенг-драм, перкуссия), Андрей Трушевский («Человек и птица» - скрипка), Иван Короп (Vaisbein, гитара, бас), Джон Кукарямба («Оркестр интуитивной музыки» - перкуссия, эффекты), Илья Чистяков («Кимбата» - гитара) и другие. Он всегда открыт к новым интересным импровизациям, для чего организовал специальные «открытые музыкальные встречи» со свободным входом в клубе «Музей чая» (http://teamuseum.ru).

Музыка – это ритм Вселенной

• Музыкант-импровизатор и композитор Филипп Барский

Музыка – это ритм Вселенной

интервью для сайта "Подлинник"

     - Что для Вас музыка?

 

     - Музыка – это ритм Вселенной. Музыка содержится во всем, во всех процессах, которые нас окружают и из которых состоим мы сами. Любые колебания на всех уровнях реальности – душевные, эмоциональные и телесные, материальные, физические, - можно перевести на язык звуковых волн, превратив в музыку. И наоборот, звуковой поток музыки легко превращается в новую реальность (вспомним начало «Сильмариллиона» Дж.Р.Р.Толкина). Музыка может не просто изображать какую-либо реальность, но непосредственно создавать ее, погружая слушателей и музыкантов в пространство переживаний. В этом смысле исполнение вполне определенных музыкальных мотивов служит для меня способом передачи, погружения самого себя и слушателей в спектр особых состояний. Эти состояния сложно описывать словами, поэтому здесь я могу лишь выдать ряд ничего не значащих самих по себе ассоциаций: внутренняя гармония; равновесие радости и печали; задумчивость и созерцание; раскрытие и развитие тонкой эмоциональности; вдохновение и воодушевление; дружелюбная игра и юмор; собранность и осознанность; искренность и присутствие; любовь ко всем живым существам; исцеление и умиротворение; принятие неопределенности и интерес к неизвестному; сила и решимость к жизни; тепло и пронзительный свет. Если моя музыка будет помогать людям обрести что-то из этого, я буду рад.

 
    - Инструментам какой страны Вы отдаете предпочтение?

    - Современные варианты моих инструментов – кельтская арфа, молоточковый дульцимер (цимбалы) и клавишные, – это, конечно, Европа. Однако исторически инструменты, подобные арфе, зафиксированы уже в древнем Египте и у Шумеров. Молоточковые струнные распространены по всему миру – сантур (Индия), цимбалы (Румыния, Белоруссия), янг чин (Китай), дульцимер (страны Европы). Так что мои любимые инструменты – это, в буквальном смысле слова, «всемирная музыка» (world music).

    - Существует ли для Вас универсальный музыкальный инструмент – любимый инструмент, который, по Вашему мнению, воплощает в себе все то, что может дать человеческому слуху музыка?

    - С того момента, как папа в детстве ставил мне записи Жана-Мишеля Жарра, Клауса Шульце и Эдуарда Артемьева, я понял, что моей главной мечтой будет синтезатор, позволяющий создавать любые существующие и несуществующие звуки. В 9 лет на выставке электронного оборудования я первый раз встретился со своей мечтой (в течение нескольких дней мне разрешали играть на Ensoniq VFX, который до сих пор меня впечатляет своими звуками) и понял, что не ошибался в ожиданиях. С тех пор за последние 20 лет техника совершила такой невообразимый скачок, что теперь вся мощность этих железных ящиков прячется в одном маленьком лэптопе. Современные технологии обработки сигнала и звукового синтеза действительно позволяют воплотить «все, что может дать человеку музыка». Наверное, моя небольшая студия и есть для меня наиболее универсальный музыкальный инструмент. А если говорить о чем-то одном, то я часто беру с собой в поездки, куда бы ни отправился, маленькую 23-струнную арфу, очень ее люблю. Она даже на берегу моря со мной в этом году побывала!

    - Что в Вашем понимании есть дарование, талант (помимо избитых фраз, что талант – это, в первую очередь, – работа, работа...)?

     - На этот вопрос я попытаюсь ответить как психолог. То, что мы называем талантом, начинается со способностей и их врожденных задатков. Существуют различия между людьми, которые обусловлены, в том числе, генетическим разнообразием в природе. Однако, как писал известный отечественный психолог Борис Михайлович Теплов, врожденными могут быть только анатомо-физиологические задатки, а способности развиваются в уже конкретной деятельности. То есть… надо работать! Несмотря на известные исторические примеры, я считаю, что работа по развитию таланта не может выполняться из-под палки – как правило, талантливый ребенок сам проявляет какие-то склонности к занятиям. Важно, чтобы близкие люди заметили в нужный момент, к чему влечет ребенка (хватается за музыкальный инструмент, за книжку, за спортивный снаряд), и поддержали в этом. Кроме способностей и опыта, мне еще кажется важным, чтобы музыкальная (или иная) деятельность доставляла настоящее удовольствие. Можно быть перфекционистом, постоянно стремиться к чему-то еще, но необходимо хотя бы иногда останавливаться и осознавать ценность того, что делаешь – «Ай да Пушкин…»

    - Есть ли подлинность в искусстве и какие у нее могут быть критерии?

 

    - Если речь идет не просто о проблеме авторства музыкального произведения, то вопрос критериев подлинности становится вопросом о критериях подлинности присутствия и переживаний художника (исполнителя) и аудитории. На примере музыканта для меня важно присутствие человека в том, что он делает (один из моих музыкальных проектов так и называется – «Presence»). Отработка «номеров» при отточенных технических навыках очень часто встречается у музыкантов, в том числе у исполнителей фолк-музыки, но меня лично это не привлекает. Существует даже своеобразный спорт – конкурсы-соревнования фолк-музыкантов, победами в которых люди гордятся. Образцами подлинного присутствия для меня являются индийские музыканты, такие как Shiv Kumar Sharma, Hariprasad Chaurasia, L. Subramaniam и другие мастера медитативного музицирования. Когда смотришь на них, сидящих на сцене, видно, какую подлинность и созерцание они излучают. Они могут долгое время держать одну-две ноты – и в этом полнота присутствия! Вся Вселенная проявляется в этих нотах.

 

 

    - В Вашей работе есть понятие (быть может...) «музыкальный образ»? Каков он? О чем Вы грезите (мечтаете) когда пишете музыку? Какие образы Вас посещают?

 

    - Первоначально я бы ответил, что нет. Для меня первичны звуки, а потом уже все остальные ассоциации и содержания. Не могу сказать, что иду в своем творчестве от образов к музыке. Скорее, наоборот. Долгое время для меня было затруднительно придумать названия к своим произведениям, потому что ничего толкового не приходило на ум. Сейчас почему-то стало проще – образы начали приходить, но все это уже после того, как композиция сыграна и записана. У меня нет какой-то легенды или истории о той музыке, к которой я стремлюсь, играя импровизацию или сочиняя «вещь». Наверное, для меня важнее сами звуки и те состояния, которые они вызывают. Для каждого из слушателей это может быть что-то свое. В любом случае, сначала музыка – потом образ.

    - Если бы Вы были способны зашифровать в музыкальном отрывке фразу (к примеру, послание к звездам), что бы Вы выразили в ней?

 

    «Любите друг друга!»

 

    - Ваша самая заветная мечта в музыкальном творчестве? К чему Вы стремитесь?

 

    - В своей музыкальной деятельности я не имею какой-то конкретной цели. Я стремлюсь передавать то, что я делаю, как можно более чисто. Для этого мне нужно, во-первых, совершенствовать собственную игру и владение инструментом (чтобы, банально, пальцы не заплетались во время игры и т.п.); во-вторых, делать свою жизнь более чистой и уравновешенной (чтобы мое «эго» с желанием власти и статуса не вовлекалось в процесс музицирования); в-третьих, лучше чувствовать людей, с которыми и для которых я играю. Само собой, необходимо лучше распределять время, спокойнее и больше заниматься музыкой и не опаздывать хотя бы на собственные концерты ;) А заветная мечта – встретить таких музыкантов, с которыми мы бы понимали друг друга не просто с полуслова, а совпадали совершенно. Однако я двигаюсь к этому. Сейчас у меня очень много творческих связей с такими людьми, с которыми раньше я себя и рядом не мог представить. Я очень рад тому, как все складывается.

    - Ваш любимый композитор в прошлом и настоящем? Почему?

 

    - Абсолютно невозможно ответить на этот вопрос. Более того, фигура композитора в начале 21-го столетия очень условна. Она превращается в картонный силуэт. Я и самого себя не считаю «композитором». Я просто улавливаю какие-то созвучия в импровизации и фиксирую их, потому что они мне нравятся, а потом стараюсь донести до людей. О судьбе композиторов в эпоху постмодерна хорошо написал Владимир Мартынов (http://www.vladimir-martynov.ru/) в серии книг, которую можно озаглавить по одноименной его работе «Конец времени композиторов». Любимых музыкантов перечислять буду очень долго, боюсь, много места займет и времени.

    - Современная музыка - что Вам в ней нравится? Что вызывает отвращение?

    - Из современной музыки я слушаю, преимущественно, новинки в области этники и эмбиента. Этнику вряд ли можно всерьез отнести к современной музыке, - это, скорее, попытки понять традиции прошлого сегодня, какие-то вариации на эту тему. Глубокий, абстрактный эмбиент – действительно интересное явление в современной музыке, на мой взгляд, и мне нравится эта обтекаемая звуковая среда. Это единственная музыка, под которую я могу работать. Современная поп-музыка же в целом вызывает у меня отвращение своей примитивностью и шаблонами. Отдельная беда – ядовитый звук современных записей, насыщенный искусственно созданными гармоническими искажениями, якобы для того, чтобы сделать записи громче и разборчивее. Мы сегодня живем в культуре гиперстимуляции – культуре пищевых добавок (взять тот же печально известный глютамат натрия), пластических операций и силиконовых имплантов, подавляющих сознание визуальных (посмотрите на кричащие цвета в наружной рекламе и телевизионных роликах) и звуковых форм (как вам громкость звука в клубах, куда люди приходят «отдохнуть»?). Среди этого ослепляющего и оглушающего ада люди просто перестают видеть, слышать и ощущать что-либо в естественном для человека диапазоне. Современная популярная музыка – лишь частный случай общего процесса, в котором мы глубоко увязли.

    - Путешествие в мир Востока. Что для Вас эта фраза? И сам мир этнической музыки? 

 

    - Восток – это интересно, но не более чем многие другие места, где я еще не был. Конечно, играя на традиционных для этнической музыки инструментах невозможно игнорировать их культурное прошлое. Если говорить об Индии, Китае, Японии – это для меня родина медитации, а медитация – часть музыкального творчества. Не могу, на самом деле, всерьез назвать то, что я сам делаю, этнической музыкой. Этника мне действительно нравится, но мы живем в таком мире, где все становится «контентом», и традиция в том числе. Не может быть сегодня той этники, которая была даже 50 лет назад, потому что сознание людей необратимо изменяется. Наверное, независимая этническая музыка для меня ценна, прежде всего, тем, что я все еще нахожу в ней гораздо больше подлинности, присутствия и свободы, чем в музыкальных продуктах современного шоу-бизнеса. В то же время, в ней достаточно простоты, которой нет в академической классике. Классическая музыка, скорее, красиво изображает душевные состояния, тогда как этническая и духовная музыка (и музыка Востока, в особенности) создают их на месте.

    - Ваши советы начинающему музыканту?

 

    - Прошу прощения, но я не готов давать общие советы неизвестно кому.

    - Расскажите своих концертных планах и о том, как можно более подробно ознакомиться с Вашим творчеством?

 

    - Я стараюсь выкладывать свои записи в мой блог (http://philipp-barsky.livejournal.com) и на страничку в социальной сети (http://vkontakte.ru/philipp.barsky - добавляю всех желающих, заходите), а видео – на ютуб (http://www.youtube.com/user/PhilippBarsky). Значительная часть моих выступлений записывается, поэтому новый материал выкладывается в сеть постоянно. Что касается выступлений, то о них можно также своевременно узнавать из моего блога и странички в «Вконтакте». Я постоянно играю в московском чайном клубе «Музей чая» (http://teamuseum.ru), причем часть концертов носят принципиально бесплатный и открытый характер: приходят самые разные музыканты и мы вместе экспериментируем. Часто приглашают поиграть мои друзья из летнего кафе «Море внутри» (http://morevnutri.ru), летом – в кафе, а зимой – на разные другие мероприятия. Я всегда заинтересован в предложениях поиграть в интересных местах и для интересных людей.

    - Последний вопрос: Окидывая взглядом свой (довольно богатый) творческий путь, скажите: О чем Вы больше всего жалеете? И чем Вы больше всего гордитесь?

 

    - Все сложилось так, как сложилось, я не жалею о чем-либо. Наоборот, я очень счастлив, что у меня были и остаются возможности заниматься музыкой в непростой обстановке сегодняшней жизни. Большое спасибо всем, кто поддерживает меня в этом!

 

 

 

Филипп Барский

Денис Башкиров

---

"Отражения" играют 100% импровизационную музыку на фестивале "Voice of Being", проходившем центре "Открытый мир" (Москва). Роман Ефимов: гитара. Андрей Tanzu: кахон. Филипп Барский: клавишные. Нюша: вокал.

---

"Отражения" играют 100% импровизационную музыку в московском чайном клубе. Роман Ефимов: гитара, перкуссия. Андрей "Tanzu": фрэйм драм, канжира, перкуссия, диджериду. Филипп Барский: клавишные, цимбалы, флейта, перкуссия. В концерте также участвовала анонимная исполнительница на флейте бансури.

---

"Presence"
Фрагмент концерта на "Пустых Холмах" 2010.
"Страна Чудес" 13июня

---

 

Павел Кашин

Певица Татьяна Долгополова

Многогранно одаренная певица, обладающая единственным в России уникальным голосом (в 2001 году Татьяна Долгополова впервые в истории исполнительского искусства установила рекорд, официально зарегистрировав его для внесения в знаменитую "Книгу рекордов Гиннеса" по двум номинациям : "самый широкий диапазон голоса" - пять октав и один тон, и "самый низкий женский голос для сопрано" - нота до контр-октавы) - вот яркий штрих к портрету певицы. Ее портрет еще только начинает формироваться в нашем сознании и вызывает живой искренний интерес и восхищение.
Татьяна Долгополова родилась в г. Магнитогорске, в 15 лет окончила музыкальную школу. Благословил восхождение Татьяны на музыкальный Олимп в 1996 году Юрий Шевчук, основатель и солист легендарной группы "ДДТ", когда был на гастролях в Магнитогорске. Он и определил жизненный и профессиональный выбор певицы.
Татьяна Долгополова - лауреат многих престижных музыкальных фестивалей, она успешно выступает на лучших концертных площадках России. Но с особой любовью относятся к ней меломаны Санкт - Петербурга.

Подробней узнать о творческих достижениях певицы вы можете по электронным адресу: http://www.voicetheatre.ru/history.html

Сайта музыканта: http://www.voicetheatre.ru/

Певица, композитор, саксофонистка Стелла Аргату

Окончила Кишиневскую консерваторию по классу вокала. Некоторое время преподавала вокал там же на кафедре эстрады и джаза.Выступала в качестве солистки Президентского оркестра, победительница хит-парадов Национального радио в 1994 и 1995 году. Гастролировала в России, Молдове, США, Израиле, Румынии и других странах. Лауреат множества международных конкурсов (в Вильнюсе, Истанбуле, Римини, Брашове, Каире, Москве).

Владеет румынским, итальянским, русским и английским языками. Стелла одинаково убедительна как в молодежной танцевальной клубной музыке (песня «Я вам больше не верю», написанная за полгода до появления группы «Тату» для одноименного фильма), так и в джазовых балладах, спиричуэлс и госпел-музыке, этнической музыке народов мира, камерных жанрах, ретро (именно она в дуэте с Юрием Алябовым в конце девяностых одна из первых в России исполняла ретро-дискотеку, где ретро-хиты подавались в энергичной танцевально-клубной стилистике). Певица выпустила, в том числе и как композитор, несколько альбомов, один из которых – «Новые русские сказки» - в составе группы «Угрюм-река», стал открытием на фестивале МИДЕМ-99 в Каннах.
С 1997 года живет и работает в Москве. Была ассистентом на кафедре эстрады и джаза Российской академии музыки им. Гнесиных, работала солисткой продюсерского центра Александра Морозова, театра Рената Ибрагимова, активно сотрудничала с Бюро пропаганды художественной литературы Союза писателей России, где создала целый ряд уникальных произведений на стихи современных русских писателей – кантата «Песнь о русском слове», «Путь Христа» на стихи Юрия Кузнецова и ряд других. Работает в качестве приглашенной солистки в Московском музыкальном театре на Басманной (ревю-фантазия «Любовь моя, Роз-Мари»). Зрители знают ее по работам с Николаем Расторгуевым (фильм «Каменская»), Николаем Басковым, Ренатом Ибрагимовым и другими российскими исполнителями.
Заявила о себе Стелла и как композитор-песенник. Ее песни входят в репертуар таких известных исполнителей, как Леонид Серебренников, Ксения Георгиади, Феликс Царикати, Заур Тутов, Сергей Захаров и другие.
Начиная с 2007 года, Аргату активно занимается пением в академической манере по своей собственной методике. Это позволило ей в достаточно короткие сроки подойти к исполнению как серьезных оперных арий, так и академических камерных произведений. В перспективе Стелла надеется объединить все имеющиеся исполнительские манеры в своей творческой практике, что позволило бы решать практически любые художественные задачи.
Владеет игрой на тенор-саксофоне.
Музыка, кроме специально оговоренных случаев, написана композитором Юрием Алябовым 

Рок-группа "7Б"

Рок-группа "Заводная Птица"

Группа Заводная Птица – это уникальное сочетание музыкального творчества уровня лучших европейских рок групп и текстов, достойных лучших образцов в отечественной рок-музыке. Музыка Заводной Птицы эклектична в духе постмодернистского культурного контекста. Она впитывает в себя элементы самых разных направлений – рок-н-ролла, новой гитарной волны, регги, психоделии, фанк-рока, этнической музыки, при этом сохраняя свой аутентичный стиль.

Среди наиболее узнаваемых черт группы – проникновенный вокал, звенящий легкий гитарный звук, мелодичные басовые партии. В тонких поэтических текстах Андрея Заноги сквозь особый романтизированный взгляд на мир воплощены многочисленные грани и слои человеческого бытия - мимолетные эмоции, глубокие чувства, неуловимые ощущения, ирония, рефлексия, самоидентификация, философские размышления.
Группа образовалась в конце 2008 года. В активе Андрея Заноги, экс-лидера группы Ракетобиль, имевшей культовый статус в Кишинёве и окрестностях, к тому моменту были два полноценных альбома. А так же попадание его песен в сборник «Рок из подворотен», выпущенный под крылом группы «Пилот» (песни «Время дождей» и «Разговор с сердцем», «Рок из подворотен 2»), и в альбом Вячеслава Бутусова «Модель для сборки» (песня «Собаки»). Переезд в Москву, знакомство с новыми музыкантами, в частности с бас-гитаристом Ильёй Андриановым, создали ощущение острой необходимости в создании нового коллектива. После нескольких смен состава, в основном гитаристов и барабанщиков, образовался состав, который и решено было назвать Заводная Птица. Год прошел в работе над альбомом, концертах в таких клубах, как Вермель, Art Garbage (Запасник), Дождь мажор, Позитив. Был сыгран квартирник в доме-музее М. А. Булгакова «Нехорошая квартира». Группа участвует в таких интернет-проектах, как Рок-герой, Соседний мир. В начале 2010 года звукорежиссёр Сергей Большаков закончил сведение альбома, который так и называется Заводная Птица. Вот что лидер группы Пилот Илья Чёрт сказал о песне «Утеряна связь», вошедшей в этот альбом:
«Одна из групп, которая мне понравилась больше всех из прослушанного, потому что это великолепная музыка и великолепная поэзия. Очень серьезная работа. Мне очень жаль, что это, наверняка, не станет популярным в наш век легкомысленного «музла», вот именно повторяю не музыки, а «музла», которое в наше время привыкли слушать. Потому что, действительно, очень серьезно на фоне всего этого такого несерьезного творчества. Эту группу рекомендую слушать в наушниках, и ни на что другое не отвлекаясь. Потому что, вряд ли Вы сможете мыть посуду, или даже чем-то заниматься под эти песни. Это надо слушать, это действительно очень серьезная поэзия и музыкальное творчество».
«Заводная Птица» в Интернете:
http://www.myspace.com/zavodnayaptitsa
http://www.youtube.com/watch?v=SupbkcsJUes

Рок-группа "Модест"

 
 
Легендарная рок-группа, в прошлом носившая названия: «Ступени», «Провинция». Официальное переименование названия «Провинция» в «Модест» состоялось после выступления на рок фестивале в рамках Ленинградского Рок-клуба (ЛРК), по настойчивому совету А.Троицкого, писавшего тогда свою первую энциклопедию Русского Рока, и утверждавшего, что такое название уже есть у какой-то уральской команды. По его же оценке, а так же его собрата по перу А. Гуницкого и других членов жюри клуба, после выступления на очередном фестивале, группа получает приз «Надежды Русского Рока». Группа выступала на крупнейших концертных площадках России, Молдавии, Германии, Дании, Норвегии, Австрии, Швеции.
Официальный сайт группы: http://modest.ru/
 

Методие Бужор

Методие Бужор

Россия, г. Санкт-Петербург

Методие Бужор родился в Молдавии.
Окончив Кишиневскую Музыкальную Академию «имени Гавриила Музическу» в 2000г, начал свою карьеру с работы в трупе Московского театра “Новая Опера” под управлением Евгения Колобова. Дебютировал в партии Спарафучили в опере “Риголетто” Дж. Верди, с участием Дмитрия Хворостовского в роле Риголетто. После удачного дебюта исполнил партии: Гремина в опере “Евгений Онегин” Чайковского, Сесила в опере “Мария Стюарт” Доницетти, Сальери в опере “Моцарт и Сальери ”Римского-Корсакова и др…

В период творчества, Методие Бужор становится лауреатом Международных конкурсов оперных певцов:

07-2004г 1-премия на 5-Международном Конкурсе Оперных певцов г. Сарцана Италия.
08-2002г 2- премия на 2-Международном Конкурсе Оперных певцов им. “Елены Образцовой” г. Санкт-Петербург, Россия.
07-2001г 3- премия на Международном Конкурсе Оперных певцов им. “HarecleaDarkle” Брэила, Румыния.
01-2001г 3- премия на Международном Конкурсе Оперных певцов им. “FrancescoVinas” Барселона, Испания.

После победы на конкурсе им. “Елены Образцовой” в Санкт-Петербурге, был приглашен в качестве солиста Академии Молодых Оперных певцов “Мариинского театра”. Здесь он исполнил партии: Фома в опере “Чародейка” Чайковского, Мороз в опере “Снегурочка” Римского-Корсакова, под руководством дирижёра Валерия Гергиева.

В 2003-2005г. приглашен как солист в «OperaLeipzig». За этот период, он исполняет следующие партии: Колина в опере «Богема» Пучини, Рамфиса в опере «Аида» Верди, Мефистофеля в опере «Осуждения Фауста» Берлиоза, Понте в опере «Троя» Берлиоза, Битерхолф в опере «Тангойзер» Вагнера, Серсе в опере «Темистокле» И.К. Бах.

На сцене театров и концертных залов, он проявил себя не только как певец, обладающий мощным и бархатистым тембром голоса, но и как исполнитель, владеющий драматическим актёрским мастерством.

Методие Бужор имеет обширную гастрольную деятельность, как оперную, так и концертную по всему миру. С 2003 сотрудничает с оперными фестивалями и театрами Италии, Германии (OperaLeipzig, OperaHamburg, Франции(OperaTulus), Голландии.

Выступает с концертами в Америке, Англии, Китаи, Швейцарии, Испании. Выступал, и сотрудничает с такими дирижерами как: Валерий Гергиев, Рикардо Шаи(Италия), Христов Россе(Франция), Евгений Колобов, Жанн Карло Минотти(Италия), Иван Ангелов(Болгария), Михаил Юровский(Германия), Ион Марин(Австрия), Даниеле Рустиони(Италия).

С 2008 приглашен как солист в премьерных спектаклях Михайловского театра: «Сельская честь»Маскани, «Паяцы» Леонкавалло, реж. Лилиани Кавани, «Любовный напиток» Доницетти, и др.

По своему призванию Методие Бужор является исполнителем широкого жанра, что позволяет ему исполнять, как оперный репертуар, так и классическую эстраду и песни авторского исполнения. Его репертуар составляют такие произведения, как: «Свадьба», «Мелодия», «Чертого колесо», «Зимняя любовь», и другие известные мелодии. В основном он исполняет репертуар Муслима Магомаева, Эдуарда Хиля, Евгения Мартынова, Юрия Гуляева.

 

 

 

Произведения: 

МЕТОДИЕ БУЖОР: «ЗА ВСЕ ТЕБЯ БЛАГОДАРЮ…»

Начало круга

• Рок-группа "Модест"

Начало круга

о группе "Модест"

Весной-летом, в Санкт-Петербурге состоится ряд выступлений группы "Модест".
В прошлом (2011) году коллектив отыграл на нескольких культурных и культовых площадках города на Неве. В этом году, надеемся, общение будет не менее радостным и теплым. Иллюстрируем статью рядом фотографий с прошлогодних концертов "МОДЕСТА", выдержками из статей, интервью, рассказов авторов "Подлинника". Творчество группы уникально, многогранно. Нельзя в двух словах описать столь красивую, сильную, интересную музыку.  Надеемся на встречу со многими читателями и авторами "Подлинника", живущими в Петербурге, на концертах "Модеста".

 

Николай Костыркин, журналист:

На самом деле, это подвиг – подвиг, извините за высокопарность, разума и духа, когда, вопреки всему, никому на тот момент, кроме Кишинева и Питера, не известная группа, отправившись на Запад, вместо пиаривания набившего уже тогда оскомину серпасто-молоткастого брэнда продолжила выдавать неформатную даже для рока музыку, идущую из самых сокровенных закутков души. Это еще и подвиг – потому, что у себя на родине, в Кишиневе, «Модест» не только выжил и не был забыт, но и пережил нечто вроде второй волны популярности.
Может быть, так произошло потому, что их музыка и слова направлены не на социальный подтекст, но в самую суть человеческого естества, а такие идеи, как показывает практика, дают всходы везде. Ведь, рубеж 80-х – 90-х, в силу произошедших тогда ключевых изменений, очень многих лишил излюбленной тематики «борьбы против» и поверг в творческий застой.
 

Клуб-котельная "Камчатка"

Но «Модесту» вряд ли это грозит. Став этакими гражданами мира и уже давно имея широкую известность, как в бывшем Союзе, так и на Западе, Владимир Капша сотоварищи, никогда не гоняясь за мимолетной славой и громким самопиаром, продолжают сочинять и выступать – а значит, и жить – по совести и делать только то, что идет изнутри, а не диктуется суровыми реалиями шоу-бизнеса. И в этом их правда и их кредо. В этом смысл их пути. Именно о таких людях обычно вспоминают, когда хочется подумать о чем-то хорошем и правильном. И именно такие люди, в какой части обозримой ойкумены они бы ни находились, всегда будут жить в наших сердцах.
 

Арт-клуб "Книги и кофе"

Этим и подкупает музыка «рулевого» команды «Модест» Владимира Капши и автора текстов многих хитов группы – поэта Никиты Блинова. В них – правда жизни зрелых душою людей, знавших жизнь, судя по всему, с очень разных сторон, но, несмотря ни на что, не потерявших ощущение прекрасного. В композициях «Модеста» текст и музыка всегда дополняют, домысливают друг друга. И там, где поэт оставляет многоточие, своевременно вступает то гитара, то скрипка, то флейта, рождая неповторимую гармонию бытия – вне времени и пространства. А от выступлений группы, увиденных мною, к сожалению, пока только в видеозаписях, веет теплом и добротой – тем, чего так зачастую не хватает многим музыкальным коллективам.
 

Центр современной литературы: "Модест", А.Гуницкий, Д. Башкиров

Звучание «Модеста» неоднозначно и многогранно. Выверенное не одним десятилетием экспериментов, оно окружено ореолом некоей неподкупности, самодостаточности. Песни Капши сотоварищи – это творчество людей, не гоняющихся за бешеной популярностью, многое переживших и осмысливших – как в жизни в целом, так и в музыке в частности. К их сравнительно жестким по аранжировке композициям вполне применимо – да простят меня ортодоксы от рока! – понятие «софт-метал», когда саму песню утяжеляет не сколько звукопись, сколько сама атмосфера произведения. Но в то же время непривычно беглая, и вместе с этим лиричная, флейта в «Бабочке из алебастра», например, или в «Рад стараться» – этакое эхо «Jetro Tull».
 

Президент Ленинградского рок-клуба Н. Михайлов

Их творчество ввиду неповторимости, как слов, так и музыки, никогда не было достоянием больших масс. Однако, те кишиневские ценители неформатной музыки, которых нелегкая затянула в эту стезю, как минимум, с середины 90-х, все, как один, вне зависимости от личного отношения к творчеству «Модеста» до сих пор отзываются об этой группе с каким-то необъяснимым почтением. Для них «Модест», несмотря на свою географическую отдаленность, всегда был «своим», но одновременно каким-то загадочным, почти что сказочным «существом не отсюда». Потому что далеко не всем и не всегда было понятно то, о чем они поют.
 

 
Таланты и поклонники

Потому что музыка чересчур сложна, неоднородна и многогранна. Да и делают музыканты «Модеста» то, что не каждому под силу – вот кто, например, кавер с Мусоргского последний раз снимал или исполнял на достаточно высоком уровне русские романсы?



Лидер команды «Сплин» Александр Васильев:

– Из той русской музыки, что я слышал за последние лет десять, самым лучшим, можно назвать кишиневскую группу «Модест». Мы давали слушать эти записи Михаилу Козыреву (бывший директор «Нашего радио» - авт.), так он просто упал от восторга! При этом, кстати, присутствовал и БГ (Борис Гребенщиков – авт.), кстати, который тоже упал. Они все там падали! Потому что группа ломовая!



Светлана Мосова, писатель

«Он зовётся Модест, он выходит в подъезд, громыхают в кармане ключи…» — спели эти двое, длинноволосый гитарист и рыжая скрипачка, спели на разломе, на развилке времен, всех удивив (ну что за имя — Модест?!), и ушли по своей дороге, в сторону Европы (туда многие тогда уходили, общий сценарий), и вот через 20 лет во Всемирной паутине они нашлись, эта рыжая и гитарист, причем в исходной точке (то есть обратную дорогу нашли!), слегка пополневшие, но всё также поющие о Модесте:

Он зовётся Модест, он выходит в подъезд,
Громыхают в кармане ключи…
Клохчут спички в другом, и в ушах стоит гром…
Он выходит во двор и молчит.
Он куда-то идёт, жизнь ему не идёт…

То есть выяснилось, что и через 20 лет этот Модест всё выходит в подъезд… И молчит, и молчит, и молчит. Проблемы не рассосались. Его тоска по-прежнему актуальна. Более того, она даже накопилась.
Но что мне до неё?
А мне до неё, как до того кефира в магазине за 29.12.09!..
А что мне до кефира?..
А то: дата!..
Потому что больше никогда не будет этого 29.12.09!..
И это надо осознать. Вот так, посреди бела дня, в магазине, стоять с кефиром, впав в глубокую задумчивость, тупо глядеть на дату и осознавать до слёз. (Не забывая при этом коленкой придерживать корзину с продуктами.)
Да, ну так Модест.

Модест жив. И рассказал нам о многом. Во-первых, о том, что рыжая скрипачка и гитарист вместе, что они не расстались. А это удалось далеко не всем. Что они ушли и вернулись — видимо, кидали зёрнышки, чтобы не заблудиться (ну, сказку-то все помним). Что их по-прежнему трое — гитарист, скрипачка и Модест, этот «призрачный индивидуалист», и, судя по всему, он все эти 20 лет делал одно и то же, а именно: выходил в подъезд. И рыжая с гитаристом регулярно оповещали об этом народ во Всемирной паутине. И в этой регулярности была успокаивающая стабильность. (А народ хочет стабильности!..)
А ведь пока он выходил в подъезд, мы успели...
Боже мой, чего мы только не успели!..
А что мы успели, кстати?
Мы успели совершить кучу ошибок, вот что мы успели.
Мы успели уехать, вернуться (не все, не все, а надо было зёрнышки кидать!), снова уехать, выйти, разойтись, найти, потерять (жизнь состоит из глаголов), возрыдать, возрадоваться, всё проклясть и снова вернуться, вытереть пыль и пожалеть всех юных и простодушных, у которых всё ещё впереди…
И прослушать песенку о Модесте.
Который пришёл к тем же выводам, не удаляясь далеко от подъезда.

Таков итог.
Этот Модест — как пятнадцатый сонет в венке сонетов.
Как конец пути…
Или начало нового круга?

 

 

 

 

Модест - Я хотел бы в дождях затеряться

Запись с концерта в гамбуржском клубе "Bambygalore" 2 апреля 2010 г...

 

Рок-группа "Ракетобиль"

Музыка — мелодичный рок без узкостилистических привязок.

Концерты:
группа принимала участие практически во всех крупных фестивалях, проводившихся в Кишинёве и других городах Молдавии в 1995—2002 гг. Участвовала в нескольких фестивалях памяти Ганькевича в Одессе. Сольная концертная деятельность на площадках и в клубах Кишинёва, Москвы, Киева.
 
Альбомы:
«Время дождей» 1994 г., записан в Москве, «Город» 1998 г., записан в Кишинёве.

Скрипач и дирижер оркестра Марин Буня

Марин Буня – скрипач, дирижер оркестра народной музыки, аранжировщик. Играет народную румынскую музыку, лэутарскую музыку, , прекрасно знает музыку разных народов. Окончил Кишиневскую Госконсерваторию по классу скрипки. С 1993 года – дирижер оркестра народной музыки «Дойна арматей», в составе Президентского оркестра Министерства обороны Молдавии.
Работает и сотрудничает со многими известными музыкантами, певцами, хореографами. Много концертировал за рубежом – Германия, Франция, Италия, Дания, Бельгия, Австрия, Португалия, Греция, Турция, Польша, Венгрия, Румыния, Сербия, Хорватия, Канада, США, Северная Корея.
 

Помнить о корнях...

• Скрипач и дирижер оркестра Марин Буня

Помнить о корнях...

музыка лэутаров

Марин Буня – скрипач, дирижер оркестра народной музыки, аранжировщик. Играет народную румынскую музыку, лэутарскую музыку, , прекрасно знает музыку разных народов.
Окончил Кишиневскую Госконсерваторию по классу скрипки. С 1993 года – дирижер оркестра народной музыки «Дойна арматей», в составе Президентского оркестра Министерства обороны Молдавии.
Работает и сотрудничает со многими известными музыкантами, певцами, хореографами.
Много концертировал за рубежом – Германия, Франция, Италия, Дания, Бельгия, Австрия, Португалия, Греция, Турция, Польша, Венгрия, Румыния, Сербия, Хорватия, Канада, США, Северная Корея.
Скрипач Марин Буня – потомок в пятом поколении старинного известного в Молдавии рода лэутаров, - профессоинальных народных музыкантов. Его стихия – народная музыка, которую слышал с детства и которой пропитался до глубины души.
«Я не музыкант, я – лэутар, - говорит Марин, – потому что это слово как нельзя лучше подходит не только к музыке которую я играю, но и ко всем моим музыкальным воззрениям, вкусам, ... многие лэутары, хотя и остались в тени современной славы, были яркими личностями, вируознейшими музыкантами, а их музыка – это высшее проявление народного музыкального творческого гения». Репертуар Марина Буни включает, кроме известных лэутарских мелодий, и целый пласт музыки, услышанной им от старых лэутаров с самого детства – мелодии доброй молдавской земли.
Сегодня Марин Буня – один из немногих музыкантов Молдавии, которые стремятся сохранить в своем творчестве репертуар, исполнительский стиль и традиции лэутарской музыки.
В этом отношении очень созвучным оказалось участие в совместном европейском проекте «Other europeans», в котором уже несколько лет учавствует Марин, как представитель лэутарской музыки Молдовы. В рамках проекта играет не только в многочисленных концертах в Европе и Америке, но так же проводит мастер-классы, учавствует в джем-сейшнах, и.т.д.
Для Марина, главное в этом проекте – открытие новых граней лэутарской музыки, которая, вот уже на протяжении нескольких веков, развиваясь на основе румынской народной музыки, вобрала в себя множество ино-национальных элементов – цыганских, турецких, греческих, еврейских. Ведь лэутарская музыка это, наверное, уникальный в мире пример ярчайшего и органичнейшего интернационального музыкального синтеза. Нужно сказать, что кроме различных научных споров возникающих и по сей день, эта прекрасная музыка привлекает сегодня тысячи людей во всем мире, - и не только слушателей, но и немало исполнителей, которые находят в ней выражение собственного художественного кредо.
Пусть же высокое национальное искусство Молдавии осветит Ваши души и принесет всем мир и радость общения с прекрасным.

 

---

 

 Марин Буня демонстрирует старинный трюк скрипачей

 

 

 

---

 

Бессарабский Тараф

 

 

---

 

Марин Буня и ансамбль "Лэутэрь" исполняют оркестровую композицию

 

 

---

 

Репетиция Алана Берна и Марина Буни в сопровождении оркестра

 

 

---

 

Содружество певцов-гусляров "Калики"

Содружество певцов-гусляров "Калики" не принадлежит ни к какой государственной концертной организации. "Калики" - это частный коллектив артистов, давно знающих друг друга и много раз работавших в совместных концертах. В содружестве нет ни "первых" ни "последних". Каждый артист - это личность, музыкант профессионального уровня, для которого воссоздание изустной традиции Древней Руси является целью творчества. Наше содружество являет собою коллектив духовно родственных душ. Это современное мирское, духовное, православное братство. "На ваших концертах, - говорят слушатели, -нет "веселухи", назойливых ритмов и ярких одежд, В пении вашем оживает родная старина, воскрешается родовая память, пробуждается живой голос совести в сердцах людей."

Авторская страница музыкантов: www.metakultura.ru/kalik/index.htm 

Фолк-джаз трио "Мираж"

Фолк-джаз трио "Мираж" удачно экспериментирует, соединяя восточно-европейский фольклор, джаз и современную классическую музыку. Трио было создано в 1998-м году, когда молодой, но перспективный молдавский композитор, гитарист и цимбалист Игорь Якимчук начал сотрудничать с двумя талантливыми виртуозами-исполнителями Марчелом Штефанец - скрипка и Чезаром Казаной - флейта. Музыкантов объединила идея нетрадиционного использования фольклора,которая, тем не менее, не нарушает изначальной красоты мелодий.

В то время когда трио "Мираж" дебютировало на национальном телевидении, общественное мнение о музыке трио было довольно противоречивым. Некоторым нравилось, другие не знали как реагировать, а для третьих музыкальное новаторство оказалось слишком радикальным. Наверное, было бы справедливо сказать, что музыка "Миража" не может, да и не преследует цели угодить каждому слушателю, что в равной мере относится к любой камерной музыке, которая изначально была задумана для интеллектуалов.

С момента своего создания музыка трио "Мираж"повлияла на формирование многих музыкантов, и по сей день число поклонников растёт. Оставаясь глубоко творческими, музыканты трио "Мираж" участвуют в различных проектах. Игорь недавно выпустил альбом «Country Road». Его музыка исполняется во многих странах мира. В настоящее время Игорь заканчивает докторантуру в США по классу композиции. Марчел является создателем уже хорошо известной группы "Трансбалканика". Чезар ведёт очень богатую концертную деятельность и считается одним из ведущих фолк-музыкантов в Румынии, где в настоящее время и проживает.

Ссылки на творчество трио "Мираж": http://www.tradebit.com/filedetail.php/8776581-folk-jazz-trio-mirage

Фолк-рок группа "Аллегория"

Группа основана в конце 2002 года коллективом людей, интересующимся историей и бытом древних славян, вследствие чего и был выбран музыкальный стиль коллектива и направление его дальнейшей творческой деятельности. Группа, основываясь на славянском музыкальном наследии, использует инструменты, звукоизвлечение и музыкальные лады разных культур. На данный момент в ее арсенале русские калюки и жалейки, хакасский хобрах, австралийский диджериду, перкуссия: африканский джембе, кубинские конго и бонго. При этом коллектив смело использует перегруженный гитарный звук и современную процессорную обработку.
Февраль 2003г. - Лауреаты первой степени в номинации "ВИА - Гражданские" на патриотическом фестивале "Россия молодая" (г.Красноярск).
Победители в номинации "Ансамбль" фестиваля авторской песни "Саяны-2003" (г.Саяногорск).
Август 2004г. - Представители делегации от Красноярского края на V-ом Международном фестивале молодежи и студентов стран Азиатско-Тихоокеанского региона (г.Улан-Уде).
Март 2006г. - Организаторы фестиваля "Живая музыка" в КРЦ "100 КАРАТ" (г.Минусинск).
Май 2006г. - Дипломанты Краевой рок-ярмарки "Живой Звук" (г.Красноярск).
Май 2007г. - Победители в номинации "Лучшая этно-рок группа" на I-ом Межрегиональном фестивале акустической музыки "Живой формат / Unplugged-2007" (г.Абакан).
Июль 2007г. - Лауреаты премии "Золотая Ирия" в номинации "Этно-эксперимент" Международного фестиваля этнической музыки "Саянское кольцо" (п.Шушенское).
Июль 2009г. - Номинанты премии "Золотая Ирия" в номинации "Этно-эксперимент" Международного фестиваля этнической музыки "Саянское кольцо" (п.Шушенское).
Июль 2009г. - Лауреаты премии "Алтай - 2009" в номинации "Алтай айу - Алтайский медведь: За мир и дружбу между народами" фестиваля мировой музыки "Алтай" (г.Горно-Алтайск).

«…Музыка живет в каждом из нас, и в каждом из нас живет память предков. Все мы понимаем свою связь с прошлым по-своему. Древо музыки, посаженное нашими пращурами, пробилось через века, переплелось ветвями с музыкой соседних культур, и продолжает жить и расти в 21 веке. Мы исполняем музыку, отголоски которой слышны из начала нашей цивилизации, из древних истоков. Сложно представить, что сказали бы предки, очутившись в мире техники и электроники, в мире прогресса и вечной суеты, в мире третьего тысячелетия. Что сыграли бы они, взяв в руки современные инструменты. Но можно быть уверенными - они не потеряли бы той нити, что связывает человека с традициями его земли. Пытаемся не терять ее и мы. И если в пении бас гитары вы услышите гул священного костра в купальскую ночь, а легкое веселье зимних колядок зарядит вас, современных людей, хорошим настроением, значит, есть эта нить и в вашем сердце. Не стоит полагать, что прошлое осталось позади - мы всегда будем нести его отголоски в своих душах, пусть даже слышать это мы будем по-разному. Слышать... Говор быстрой речки, напевающей джаз, РОКовый призыв к битве, рок-н-рольную молодецкую похвальбу, этнические и фольклорные напевы слитые с современными мелодиями. Не будет тяжелого рока и классической этники - будет сплав прошлого и настоящего, в котором каждый сможет услышать что-то знакомое и незнакомое, близкое и свое. Мы будем играть в надежде затронуть и ваши душевные струны, зазвучать в лад вашему настроению, в ритме ваших сердец…»
 
Официальный сайт группы:
http://www.allegoriya.ru

Фолк-рок группа "Башня Rowan"

«Башня Rowan» - (rowan - англ. «рябина») - музыкальный коллектив, работающий на стыке рока и джаза. 
Группа образовалась в 1995-м году как фолк-рок команда и в результате долгих творческих поисков, переезда из Санкт-Петербурга в Москву и почти полной смены состава (неизменной остаётся только вокалистка и автор песен Тикки Шельен) превратилась в коллектив, играющий неповторимую и необычную музыку, которую сама группа характеризует как "арт-н-рок-н-фолк-н-ролл-н-фьюжн". В их творчестве встречаются как лирические баллады, так и зажигательные танцевальные мелодии.
Так же иногда самостоятельные концерты под именем «Гуси-Гуси» даёт акустический состав «Башни Rowan»: Шельен (вокал), Логофет (скрипка), Зайцева (клавишные).

Официальный сайт группы: http://www.rowan.ru/
 

Этно-фолк группа "Ann'Sannat"

Группа начала свою деятельность с концертов в различных клубах Кишинева - города, где жили все музыканты. Первая демо запись под названием "Ann'Sannat" (что в переводе с эльфийского языка Д.Р.Р. Толкиена означает "сказки отображенные в песнях") была сделана в 1998 г.
На протяжении 1999-2003 гг. ансамбль давал концерты и учавствовал в фестивалях в Украине, России, Румынии и Венгрии. В начале 2000 г. записан второй релиз "Welcome into the morning".
Альбом издается и продается во Франции издательским домом «Монте-Кристо».
По признанию многих слушателей и музыкантов – «Ann'Sannat» являются одной из лучших фолк-формаций на постсоветском пространстве.

Несколько вступительных слов от редактора изобразительного ресурса:

Это было очень давно, много лет пролетело.… В солнечной Молдавии, в славном городе Кишиневе, по совету друга я купил диск незнакомой мне группы «Ann'Sannat». С первых услышанных нот я был несказанно удивлен, просто поражен красотой и лиричностью музыки группы.
Это было забытое ощущение сказки пришедшей из далекого детства, чувство соприкосновения с тайной. Волшебные герои: эльфы, гномы, феи - пришли в мой мир благодаря странной и чарующей музыке. Я прослушал диск, подошел к окну…и понял, что мир изменился. Давно привычные картины, повседневные улицы были окутаны аурой сказочной романтики, музыка продолжала звучать у меня в голове, звать в бесконечное волшебное путешествие.
Странная, необыкновенная музыка. С оттенками легкой грусти, с налетом тайны, с красивейшим женским вокалом и стройным, изящным звучанием сказочных инструментов.
  Вскоре, я познакомился с руководителем группы – Эдуардом Сухарем, мы долго беседовали, но я так и не понял, как ему удается создавать столь удивительную и прекрасную музыку.
  Спустя годы, случайно встретившись в хмуром, но прекрасном Санкт-Петербурге, мы (совместно с Виктором Сундеевым) основали сайт «Подлинник», чьим музыкальным редактором Ализбар и является.
  И я рад (пользуясь проходящими в Москве, Будапеште и в Санкт-Петербурге гастролями Ализбара) в отсутствие редактора музыкального ресурса, сказать вам несколько слов о чарующей музыке и пригласить в таинственный и незабываемый мир группы «Ann'Sannat».

Денис Башкиров 

Официальный сайт группы «Ann'Sannat»: http://www.annsannat.com

Этно-фьюжн группа «Начало Века»

 «Начало Века» – это коллектив единомышленников, движимых интересом к народной песне. За пять лет существования его состав менялся не один раз, но идея, объединяющая музыкантов, осталась прежней. «Главное для нас доказать, что фольклор – вещь вполне самодостаточная, иногда нужно лишь подобрать наиболее понятные слушателю формы».

«Начало Века – это ПОПУЛЯРНАЯ музыка. Не та, что спущена сверху, а та, что действительно способна понравиться народу».www.zvuki.ru

«Начало Века» – это коллектив единомышленников, движимых интересом к народной песне. За пять лет существования его состав менялся не один раз, но идея, объединяющая музыкантов, осталась прежней. «Главное для нас доказать, что фольклор – вещь вполне самодостаточная, иногда нужно лишь подобрать наиболее понятные слушателю формы».

Группа «Начало Века» угадала с названием, в котором скрыт двойной смысл. «Это было в начале века», - говорят о каком-то древнем событии, совершенно забывая, что уже произошла смена тысячелетий, и мы сами теперь живём в начале 21 века. Применительно к музыке данная схема прекрасно работает: «Начало Века» берут аутентичные фольклорные произведения без срока давности и перерабатывают их актуальными музыкальными средствами.

Сейчас «Начало Века» – это уже не фолк-рок как таковой, а некий этно-фьюжн широкого профиля, world music. Как бы то ни было, речь идёт о синтезе корневого народного искусства с современным музыкальным мышлением. «В музыке, как в ассортименте алкогольных напитков – все основное уже давно придумано, лучше уже не сделаешь, но можно попытаться составить хороший коктейль», - говорит гитарист коллектива Алексей Итюжов.

Группа была основана в Волгограде, но ныне базируется в Москве. Первый её альбом под названием «На грани ФОЛкА» вышел в 2004 году. Своим нестандартным подходом к творчеству фолк-рок-коллектив «Начало Века» обратил на себя внимание не только известных деятелей российского шоу-бизнеса, но и западных лейблов, промоутеров, радиостанций и, конечно же, в первую очередь, просто слушателей. Уж больно всё было свежо, неподдельно, по-честному и от души. Тираж первого альбома группы вмиг разлетелся по стране.

Группа не единожды выступала на площадках самых крупных российских фестивалей, среди которых были «Этнолайф», «Этнолэнд», «Эммаус», «Старый Новый Рок», «Нашествие» (2005, 2006, 2008, 2009), «Воздух», «Дикая Мята» и др.

Весной 2006 года «Начало Века» стали победителями в «РоковОй» номинации конкурса «MuseOn». Наконец, летом этого же года одна из самых интересных и красивых композиций с первого альбома – «Соловейка» выбилась в Фавориты недели «Чартовой дюжины».

Релиз второго альбома, названного «Этнограмма», состоялся 8 марта 2007 года. Для него группа также подобрала игру слов в духе символизма начала XX века, взяв за отправную точку термин «телеграмма» и разбавив его префиксом этно-. Собственно, этнограмма – это минимально необходимая частица народного, из которой убрано всё лишнее, отжата вся вода; оставлено самое важное – текст и мотив оригинальной песни, исходя из которого выстраивается причудливое музыкальное оформление начала века сегодняшнего. «Всё делалось на эмоциях, - рассказывает Алексей Итюжов. – Ни один номер не был чётко продуман заранее. Как первый раз по струнам ударилось, как песня пошла, так она и развивалась…». Песня «Улетаю» с нового альбома попадает в эфир «НАШЕго Радио».

Летом 2007 года группа получает предложение сняться в кино и написать музыку для кинофильма: шесть новых песен записываются специально для кинокартины, а три композиции с «Этнограммы» («Улетаю», «Улетаю» (other vers.) и «Кумушки») сразу включаются режиссёром в саундтрек. Компания «StarMedia Russia», производитель кинокартины, смонтировала для группы видеоклип на песню «Улетаю», использовав кадры из фильма.

Летом 2008 года группа «Начало Века» приступает к работе над новым проектом «ДуЭТНО». Название будущей пластинки говорит само за себя: это дуэты в основе которых неизменное этно – народная песня. Все песни в альбоме Алёна Сергиевская (вокалистка группы) споёт с разными исполнителями. Свое согласие присоединиться к проекту подтвердили уже многие музыканты. Среди них есть и такие, кто в последнюю очередь ассоциируется с фолк-музыкой. Первая ласточка проекта – дуэт с Хелависой (гр. «Мельница»). Песня «Тебя Ждала» сразу попадает в хит-парады радиостанций и активно ротируется.

Осенью 2009 года группа «Начало Века» начинает запись своего третьего по счёту альбома, релиз которого планируется на 2010 год, а параллельно ведёт работу над проектом «ДуЭТНО».

Как мы знаем, в последнее время появился большой спрос на фолк-музыку. Волна интереса к жанру этно, возникшая в 90-х, наконец, превращается в тенденцию. Совершенно обоснованно – ведь интерес этот закладывается в подсознании каждого человека ещё в детстве. Фольклорные традиции не просто знакомы, они живы, «дышат» в сердце каждого. Да и какая песня по сути своей не является народной?:)

 Официальный сайт сайт группы